Constantly on the hunt and suffering from hallucinations that drive his violent nature, an unnamed man is capturing women and savagely beating them to death. Meanwhile, a woman is luring men into a violent end, by way of her knife. Driven by the same force to make the opposite sex suffer, the killers’ fates intertwine. The two must face off in a battle to the death, in which they are forced to reveal the horrible truth behind their addiction to murder.
“Brutal” takes an interesting approach to its visuals, drawing heavy influence from Western “Grindhouse” films, using a filter to make the footage appear grainy, damaged, and with light and color fluctuations. Unfortunately, the visual styling ends up feeling misguided, as other than applying the filter it does not imitate any other aspects of the “Grindhouse” genre. Despite trying to dirty up the film, it is apparent it was shot on digital. The cinematography is also a step above most “Grindhouse” productions, with Takashi Hirose proving he has talent behind the camera. Exterior shots to those taking place in small spaces are all competently framed, lit, and transition well. The decision to add an effect on top of the work hurts the film’s imagery and even gives a sense of desperation to try to capture a certain type of nostalgia with the audience, instead of relying on its own strengths. It is unfortunate when one creative choice can hurt a production so much.
The story of “Brutal” is simple but effective, it does attempt some sort of social commentary about the violent nature of men and women, but it does not offer enough depth into the subject to justify the amount of violence on display. The film does end on a strong note with an interesting twist, with a reveal that is bound to gross some out, while giving others a chuckle. In spite of its simple nature, those who enjoy films that make them somewhat uncomfortable and enjoy the challenge of getting through some ultra-violence, “Brutal” poses a fun and entertaining challenge in that regard.
真诚吗？倒像是层层包裹的漠然 不过你记得就好 @Hannover
3.5 主角Feedback甜茶还feedback CMBYN结尾。氛围掌握，费里尼气息重，镜头语言致敬《八部半》、《月吟》
我想做什么就做什么我是自由的 你有勇气吗 记住 没有勇气的人是不会和美女上床的 我们都是孤独的 你是孤独的？我他妈的根本不在乎 因为这根本不是什么独一无二的事 逃避到最后还是会回归自我 回归失败 一切都是失败 都是一堆shi 没人能逃脱自己的失败 没人能逃出这座城市 只有混蛋才去罗马 你不能垮掉法比奥 大家都叫我法比托 他们该像大人一样叫你法比奥了
#2021/58th金马：悲剧+喜剧=正剧
半自传电影果然很私人化，那一幕幕关于少年成长、家乡惆怅、家人离去的影像，情感上多少还是有所共通。最打动人的还是拍出了“全世界都在庆祝，唯独我是孤独和悲伤”的落寞感，导演设置了很多诸如“上帝之手”的意象，不过后半程为把每个角色讲清楚还是过于冗长了。
夏天，头一次体会到湿透的衬衫在身上干掉的夏天，头一次想要抓起镜头记录下某刻的夏天，头一次感受到夕阳的温度的夏天。私人曼妙的年少回忆，或幻想，或现实，透过脑中的构建回顾，在银幕上还魂。感觉算是网飞出钱给导演进行私人创作最好的一部，意大利少年诸如那刻的故事通过大数据归类集总已经拍得太多，但这部仍是真正融入创作者感情的一部。
4/5 威尼斯电影节金狮奖提名
这就是生活，有时候你想逃但逃不掉，有时机会就在眼前你却没有勇气……
因为费里尼的伟大，好多友邻不甚喜欢索罗蒂诺的模仿，但仅于我而言，《上帝之手》不只是索伦蒂诺一次私人化的自我映射，还有对我产生强烈共情性的冲击，一切情感力量都藏在了私人化的影像里，一旦将其放映呈现，就不再独属于创作者，而属于银幕下沉浸的观众了。在体悟生命的历程中，每个人都有自己的那不勒斯，与之伴随着有那青春狂躁的荷尔蒙，那为迭戈进球的癫狂，无奈终究会选择抛下这一切前往罗马，拥抱逃避伤痛带来的孤独。而无情的上帝之手会协同意志玩弄人类短暂命运于鼓掌之中
最大公约数的创作。赶在马拉多纳去世时的公共记忆加上家庭录像，回忆体作品来说已经相当不错了，各自呼应各自铺垫，技法那叫一个娴熟。问题是还期待着能看到《绝美之城》那样风格如此自恋的索伦蒂诺，到这一部是真的太“自恋”了，或者说只剩下“自恋”了。那个孤独啊，那不勒斯不相信我的眼泪是吗？走上电影之路可以是单纯地热爱，也可以是渴望被认可接纳，问题是从这部电影来看始终得不到一个准确的答案，青年时代有摇摆很正常，但至少得有一个线头作引子。还是喜欢《绝美之城》那种游记体，形散神不散。
déjà vu的意大利男孩成长史。克制的配乐每次起来时都极其动人，但作为索伦蒂诺平庸了，可能艺术家真的写起自传起来都会平庸的。而且几年过去，我甚至会有些厌恶意大利式的男性风俗：圣母=淫妇。
名导论电影那段有点over了 整体来说感觉有点像导演不断在提醒你“看！我在这儿成长了” 但美是很美的 音乐也很美
给我一本
欲望啊，欲望哟，欲望。似乎欲望总是驱动着男性感知一切，创造一切，又逃避一切的钥匙。但索伦蒂诺厉害的是，他承认欲望，不讳欲望。毕竟我们每个人，对每件事，都是先被表象与本能吸引，然后才能随时间慢慢体悟出背后的真知，不是吗？“人人都想拍电影，但你有勇气吗？”这才是振聋发聩的灵魂拷问。像当初《绝美之城》一样，这部电影，我可能也要再过几年，才能看的更懂一点。但我依旧着迷于他对生活与众生的描述，喜悦与悲恸总是那么毫无预兆地穿插交替。而与每个人生路上重要旅伴的邂逅，他也总能提炼出那些最至关重要的，寥寥数笔便还原出最鲜活的情绪。人生总是那么五味杂陈啊，而电影，“没什么作用，但能帮你逃离现实”。所以，“告诉我，你有故事要说吗？”希望我能记住，我有故事要说
拍那不勒斯的索伦蒂诺和拍罗马的他是截然不同的，那不勒斯留存了太多希望和绝望的回忆，置身其中的他没办法如《绝美之城》一般去欣赏这座城市。索伦蒂诺三十多年后妄想通过《上帝之手》释怀，却发现只是在记忆旋涡中越陷越深。卡普阿诺结尾时那段咆哮般的教诲是索伦蒂诺发自内心的自省，是对过去的总结，也是在向现在的自己讯问。过了不惑之年的我是否已能面对那不勒斯？答案是否定的，他依然踏上了逃避的列车，那不勒斯也将是一生都难逃的心结，最后似乎只能通过站台的小修士来祝自己好运了。
去罗马是逃避。这里有很多故事。感觉剪辑有些问题，摄影上不像绝美之城的运动镜头。Naples真好看
他的脸比甜茶生动。索伦蒂诺的阳光灿烂日子。
“你知道近海船会发出什么声音吗？dwf. dwf.dwf. dwf.”
总去拿过去的导演来比较索伦蒂诺太欺负人了
索伦蒂诺的圣三位一体：宗教、女人、电影 / 迪伦、费里尼、马拉多纳
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